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Como assistir a exposição de Evgeny Antufiev e Dmitry Krasnopevtsev no MAMM

Em dezembro, foi inaugurada no Museu de Arte Multimídia uma exposição com o título longo "Eugene Antufiev - Dmitry Krasnopevtsev. Diálogo. Quando a arte se torna parte da paisagem. Parte III" Pode parecer que esta é uma exibição clássica de artistas trabalhando juntos. Mas eles mal podiam trabalhar juntos: Evgeny Antufiev ocupa o terceiro lugar entre os 100 melhores artistas russos e representa a Rússia na bienal internacional. Dmitry Krasnopevtsev, pelo contrário, não foi reconhecido durante a sua vida pelo artista soviético que trabalhou nos anos 60-90, e só agora se tornou um clássico da arte não oficial. Visualmente, o trabalho deles é tão diferente quanto essas épocas. Volumétrico, sempre exigindo uma sala iluminada e as esculturas de Antufiev são feitas de ossos, pedras, plantas e tecidos. As naturezas-mortas sombrias de Krasnopevtsev são feitas na técnica mais tradicional - óleo sobre tela.

A idéia principal do ciclo de Antufiev, que começou este ano na Bienal Manifesta Europeia: no fluxo da arte, não há diferenças entre as estátuas dos deuses egípcios, máscaras primitivas, inconformismo soviético ou obras naturais de um artista contemporâneo. Os objetos desta arte são compatíveis entre si em um número infinito de combinações, cada uma das quais altera a ótica usual do espectador. A exposição funciona como a melhor evidência desta tese. No diálogo, as obras dos artistas são tão parecidas que já é difícil descobrir quem está à nossa frente sem a devida atenção.

A vida ao redor pediu para contar sobre a exposição do próprio Antufiev.

Sobre o ciclo e Krasnopevtsev

Esta exposição é a terceira parte do ciclo "Quando a arte se torna parte da paisagem". Não sei quantas partes serão - talvez esta última, ou talvez 44 ou 66. A principal tarefa do ciclo é mudar a ótica combinando diferentes artistas e objetos com meus trabalhos. O fato é que meus trabalhos têm uma habilidade incrível: eles podem se imitar sob outra arte ou se integrar a ela. Essas habilidades da minha arte não são totalmente compreendidas por mim.

Em princípio, Dmitry Krasnopevtsev não precisa da minha arte, assim como eu não preciso da arte dele. Mas, ao comparar, a óptica muda tanto para o meu trabalho quanto para ele. Muitos assumem que eu especificamente fiz meu trabalho por ele, mas não é assim. Uma faca, uma tigela, uma máscara - todos esses são símbolos com os quais sempre trabalhei, que apareciam constantemente em meus projetos.

Dmitry Krasnopevtsev. Duas taças com objetos. 1972

No começo, como muitos, eu era indiferente a Krasnopevtsev. Existe uma opinião popular e bastante errônea de que ele, apesar de ser um artista não-conformista, mas ainda conformista, dos anos 60-80, que pinta uma pintura bastante de salão. Então comecei a estudar cerâmica e encontrei uma harmonia especial em como os vasos em suas obras crescem sobre a mesa, como flores. O mesmo acontece com a cerâmica: a camada de argila por camada é sobreposta, rasteja, é um material macio de plástico especial. Krasnopevtsev resolveu problemas plásticos semelhantes, mas na pintura.

Descobri isso por mim mesmo como um poeta sutil, um observador, um homem que não gostava de sair de seu apartamento, assim como um homem solitário de Brewer. Durante sua vida, escreveu diários poéticos muito finos, cujos trechos são apresentados nas paredes. Curiosamente, se você colocar os textos dele em uma coluna, eles imediatamente se transformam em poesia, embora tenham sido escritos como prosa. Esses textos também estão associados aos meus trabalhos: eles são sobre extinção, morte, refletem um interesse pelas culturas dos povos antigos, civilizações mortas, tudo o que é rejeitado pela cultura. E o mais surpreendente é que temos uma coincidência absolutamente completa nos personagens. Toda a minha vida, hipnotizada por símbolos - um vaso, faca, máscara, pia - o que também o assombrava sem parar.

A arte de Krasnopevtsev é quieta, não o impressiona, você precisa estudá-la antes de entender e amar. Ele sempre pintou naturezas-mortas, mas, é claro, essas não são naturezas-mortas, mas paisagens e mundos separados, cada uma das pinturas é auto-suficiente, não requer nada próximo a ela. Este é um mundo que congelou em equilíbrio frágil.

Evgeny Antufiev. Sem título, 2018

Espectadores desatentos confundem nosso trabalho. Nesses casos, sempre explico que tudo o que é plano é Krasnopevtsev e tudo o que é volumoso é meu.

À primeira vista, a ideia da exposição é bastante simples: comparamos os símbolos nos meus e nos seus trabalhos. Obviamente, essa abordagem é um pouco formal, didática, mas há um encanto especial nessa simplicidade do método. Mas, é claro, uma simples comparação em geral não nos explica nada. A nuvem pode parecer uma cobra, mas se as compararmos, não nos explicará nada sobre a cobra ou a nuvem. Mas é precisamente a própria comparação que se torna um novo objeto. É o mesmo aqui: não é apenas uma combinação, cria algum tipo de combinação poética de dois artistas de épocas completamente diferentes, enfeitiçados pelos mesmos símbolos e ferramentas, e nessa combinação algo novo aparece, a ótica, a visão familiar da mudança de arte.

Como a exposição é organizada

A exposição, como todas as minhas exposições, é construída com base no princípio de um labirinto. Alguns caminhos estão bloqueados, outros estão abertos e você só pode seguir o caminho fornecido pelo artista. Apesar de ser um labirinto louco, a exposição acabou sendo extremamente acadêmica, há um sentimento de exposição no Museu Pushkin com todas as suas janelas e cercas. As salas são divididas condicionalmente nos seguintes tópicos: Plantas, Corpo, Máscara, Arquitetura e Caça, Amonites e Conchas, Armas.

Tudo começa com uma citação: "Você, um amoroso Tebas, viva seu espírito, para que possa passar milhões de anos sentado diante do vento norte com os olhos ardendo de felicidade. Oh noite, estique suas asas sobre mim, como uma estrela eternamente brilhante" ( a inscrição na tigela encontrada no túmulo de Tutancâmon). Não podemos dizer que é traduzido dessa maneira; existem cinco opções de tradução para esta frase. Essa é uma metáfora maravilhosa para o que é arte: opções de leitura, seu entendimento pode ser milhares, dezenas de milhares. Todos os caminhos são verdadeiros e qualquer comparação que vem à cabeça do espectador é verdadeira.

O corredor está cheio de fotografias das vistas da oficina de Krasnopevtsev, repleta de minerais, plantas secas, objetos antigos - tudo isso me interessa muito, eu mesmo as coleciono infinitamente de viagens, viagens, compro alguma coisa e a trago da floresta. Essas fotografias mostram que o tempo de Krasnopevtsev já é um tempo morto para nós. Apesar de a lacuna não ser tão grande, tudo mudou, isso é arqueologia, as fotografias são percebidas como hieróglifos nas pirâmides egípcias. O tempo da URSS está agora tão distante de nós quanto o dos faraós.

Alguns colecionadores me disseram que esta é a melhor exposição de Krasnopevtseva. É incrivelmente agradável ouvir isso, porque muitos deles inicialmente não quiseram dar seu trabalho, explicando isso pelo fato de não verem a conexão entre nós, de que essa é uma arte completamente diferente que não pode ser comparada.

Como todo o meu ciclo, a exposição é dedicada ao fato de que qualquer arte pode ser combinada. Em princípio, não é tão importante o que é. O fato é que, se for real, coincidirá um com o outro, como peças de um quebra-cabeça. Ele pode ser montado, remontado e Krasnopevtseva não precisa ser combinado comigo, pode ser facilmente montado com as esculturas dos gregos e etruscos que estavam no meu primeiro projeto em Palermo.

Apesar de a exposição ter uma narrativa clara, a divisão em salões e o caminho a seguir, ela pode ser percebida de maneira diferente: visualmente, olhando pinturas e esculturas, ou lendo todas as assinaturas e investigando citações dos diários de Krasnopevtsev.

Salão do corpo

Salão do corpo

A força especial desta exposição é que podemos mostrar obras que não podem ser exibidas ao público em geral e, talvez, nunca tenham sido exibidas juntas.

Nesta sala, há obras da coleção do Museu AZ, muitas obras da Galeria Tretyakov, do Museu Pushkin e coleções particulares.

Pode ser chamado condicionalmente de hall do corpo, mas na verdade existem vários. Corpos em todas as manifestações - pessoas, cobras, animais, edifícios - estão entrelaçados em um único todo. Do mesmo modo que o corpo da cultura penetra na vida cotidiana e se entrelaça com ela. Aqui há fotografias de edifícios que estão repletos de cultura, como mofo: a coluna brotou em um prédio alto, grafites pintados com estela romana de mármore, com mais de 150 anos. Por um lado, é profanado e, por outro, esses grafites, entrançados como musgo ou mofo, tornam-se uma nova cultura.

Agora, nas fotos mais simples tiradas em um iPhone, podemos encontrar alguns códigos culturais. O pano de fundo para tudo isso é o papel de parede fotográfico com a Amazonosia da coleção do Vaticano.

Salão de Arquitetura

Salão de Arquitetura

Como a exposição é construída com base no princípio de um labirinto, ela deve ter um centro. O centro aqui é o salão de arquitetura. Você pode avaliar a escala, a forma do labirinto apenas subindo acima dela, para que haja uma escada. Isso é novamente sobre a mudança da ótica: de baixo para cima, parece que subir para o topo não nos dará nada a longo prazo, mas daqui o ângulo de percepção de todos os corredores e, em particular, o trabalho muda imediatamente. Além do conceito geral, a composição acima da entrada com sinais se torna melhor visível. Estes são os símbolos que eu sempre uso, e as quatro teclas são do destino, tempo, memória e luz. A exposição fornece as chaves para esses quatro conceitos. Ao subir, nos tornamos iguais a eles e sentimos que algo está criptografado neles, algo assustador e engraçado ao mesmo tempo.

Krasnopevtsev também brincava constantemente com os mesmos símbolos, criptografava algo em suas pinturas. Nas obras da coleção de Roman Babichev, ele criptografa as letras K e D - as primeiras letras de seu nome, além de certos números: 1, 3, 2, 5. Por que existem esses números? Por que eles estão fora de ordem? Não sabemos, mas, é claro, havia uma lógica estrita aqui.

Eu também tenho muito trabalho relacionado ao jogo, números e letras. Como os hieróglifos egípcios, eles nos fascinam principalmente com a beleza visual. Então, é claro, começamos a entender que esses são alguns hinos, músicas, literatura, mas só podemos percebê-los do ponto de vista da estética e da beleza.

Salão de amonites e conchas

Salão de amonites e conchas

A este quarto chamo condicionalmente de "amonitas e conchas". Todo mundo sabe que no metrô de Moscou existem muitas amonites e minerais, isso não é parte da minha descoberta. Mas sempre fiquei fascinado com a ideia de como os seres vivos, mais antigos que toda a história da humanidade, se tornaram parte da decoração da estação de metrô. Amonitas e conchas da minha coleção estão em exibição aqui, há uma concha que pertence à minha avó e o trabalho de Krasnopevtsev com conchas e amonites.

Há um texto maravilhoso aqui, onde Krasnopevtsev fala sobre o fato de que não sabemos o significado dessas conchas e só podemos admirar sua beleza. Parece-me que essa é uma metáfora maravilhosa para tudo em geral: arte e vida humana. O museu, esta exposição, toda arte é, é claro, uma concha harmoniosa, mas abandonada, porque apenas a presença do artista torna essas obras verdadeiramente vivas.

Dmitry Krasnopevtsev. Sem título

De fato, após a morte do artista, toda a sua arte assume um significado completamente diferente. Você entende que ele não será mais, começa a tentar entender o trabalho dele de alguma maneira diferente, a criar conotações. Como regra, durante a vida isso não é tão interessante: bem, ele está vivo e vivo, ele fará mais obras. Após a morte, todo trabalho se torna mais significativo - estou convencido de que, após minha morte, meu trabalho adquirirá muito mais charme e significado. Esse processo não pode ser parado, portanto não há tristeza nele.

Este salão é sobre a beleza do Universo; não tenho medo dessa frase pathos.


Fotos: MAMM

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